看当代美国艺术家威廉·贝利的绘画

有十个鸡蛋的静物 油画 1982年

　　如果说，在18世纪法国罗可可艺术风行之时，夏尔丹的静物画不同于华托、布歇等画家笔下的浮华和绚丽，开创了描写日常生活的朴实画风之先河，那么，意大利画家莫兰迪其一生执着于表现普通瓶罐的世界，就是对此精神的延伸。至于美国当代艺术家威廉·贝利对日常器皿等普通静物的描绘，则是传统静物画在当代的体现，是传统精神与时代精神的巧妙融合。画中利用水平线的构图，以独特的视象，柔和透明的淡雅色调，概括的简朴，精致入微的表现手法，表现并列的瓶罐，构成纪念碑式的景观，可溯至文艺复兴时期的传统古典艺术之精华。

　　威廉·贝利虽然是土生土长的美国人，但他已经在位于意大利乡村的工作室度过了40年的夏天。他度夏的那个蒙特其镇(Monterchi)，以拥有皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡(Piero della Francesca)画的《分娩时的圣母》(Madonna del Parto)著称。观者可以从贝利的画中看出，意大利的城镇色彩和传统艺术对他的艺术创作有着多么重大的影响，他的静物画与20世纪70年代以来的美国大多数的写实主义者，有着不同的绘画风格，他们趋向于轶事和怀旧，而贝利的画中没有任何怀旧或叙事成分。罗伯特·休斯(Robert Hughes)在《美国视野：美国艺术史史诗》(American Visions: The Epic History of Art in America)中这样写道：“他平静地描绘锅、罐、鸡蛋和碗，营造一个理性的世界，始终存在着平静和永恒。柏拉图之‘欲望的渴望’的消解体现在贝利的静物画中，就是没有任何杂念的散出、冲入，没有愿望的表达或情节的叙述，是一种纯正的唯物论。它们有着十五世纪(欧洲文艺复兴初期)的欧洲建筑的外表感受。”画中有规律放置的物体、简练稚拙有力的轮廓、细致刻画的光影、严格控制的色彩、平直的桌面，让观者自然联想起意大利文艺复兴早期绘画和夏尔丹的静物画。构图的简洁则让人想起莫兰迪的作品。但贝利的静物画比夏尔丹少了更多生活的寓意和描绘的细节，比莫兰迪多了一分坚实与传统的意味，体现了西方上世纪70年代以后绘画普遍向传统回归的趋向。他的画作就像他的朋友著名诗人马克·斯特兰德(Mark Strand)指出的：“理想的变现，”所有的探索都朝向这个理想，“一种与美国口味极端相反的艺术作品风格，承担了斗争的痕迹，不加修改与掩饰地呈现在最终的作品形式中。”

　　贝利画作的特性不仅仅是日复一日重复描绘事物，还有画中表现的那种奇怪的、熟悉而又沉默的世界。这种效果是由于贝利的绘画多从对物象深入细致观察后的想象和回忆，而不是直接从模特写生得来的。这样，客观就转换成了主观，一切都由画家的理想取舍，而不拘泥于实在的物象。对此，贝利声称，他对静物的感受和描绘就像描绘对意大利的城市感受，尽管静物画中描述的器皿、鸡蛋确实存在于现实世界中，但作品中包含着庄严、神圣和超脱尘俗的完美，就像一个城市拥有的特点不仅仅来自其建筑和街道，更重要的是它的历史、光线、气候等方面。他的不对物直接写生，使得他描绘的静物更具特点。他所描绘的静物通常是家用的瓶、罐、杯、碗、鸡蛋放置在靠或镶于素色墙面的桌面、陈案之上，或是放置在拱形的龛内，进行着各种顺序的排列。简单的背景与器物弧形、直线、圆形的构造对比以及红、褐、蓝、灰等朴素的色彩运用，仿佛是对意大利典型的传统建筑的描绘，画面满溢着文艺复兴时期意大利宗教画的意味。

　　贝利画作中的这种意味，不仅仅表现在静物画中，还表现在室内女性画中。他对女性的描绘，都有其共同特色，如：棕色的头发、光滑的皮肤、凝视的眼神、相仿的年龄，这种相似性使得她们变得更加像标志性建筑。身体也被处理为几何状，或靠于桌边，而前倾，手臂和腿呈对角线呼应;或直立，手臂与躯体均是平行垂直状态。华丽的或者杂乱的物象被去除，表现的是画家心目中的画室、房间，环境，不再是客观的一部分，而是被置于幻想的空间之内。在画中的女性，还仿佛是画家画的杯或花瓶之类的静物，美丽、恒定、坚韧，其隐喻成分在这里也显露出来。#p#分页标题#e#

　　贝利的这种与众不同的画风和高超的技艺，使他得到了艺术界的普遍认可： 1958年获得波士顿艺术节绘画一等奖，1965年获得古根海姆奖(Guggenheim　Fellowship)，1982年应邀加入国家科学院设计所，1985年获耶鲁大学艺术勋章，1986年成为国家科学院艺术与文学研究所成员。作品被国立美国艺术博物馆、惠特尼博物馆、纽约现代艺术博物馆、宾夕法尼亚美术学院等40多家著名美术馆、博物馆、大学或企业与文化机构收藏，誉满全球。